Percussions de Strasbourg

Invariants es un programa para un trío de músicos que tocan teclados de percusión. Intercalado entre tres Sonatas para órgano en trío de Johann Sebastian Bach, Rain Tree (1981) de Tōru Takemitsu y Les Invariants (2021) de Michaël Levinas transportan las obras del compositor alemán a través del tiempo.

Siglos después de su composición, estas sonatas siguen adaptándose a su tiempo sin perder su esencia, y la presencia de obras de nuestra época nos recuerda que Johann Sebastian Bach sigue muy vigente.

Fundado en 1962, Percussions de Strasbourg son embajadores de la creación musical de renombre mundial. Con un repertorio excepcional, el grupo interpreta obras maestras del siglo XX y encarga nuevas obras con un mismo objetivo: revitalizar un patrimonio contemporáneo revisándolo constantemente para seguir innovando en un contexto de diversificación artística.

Desde su fundación, el grupo sigue estando en el corazón de la creación, gracias a sus vínculos con compositores contemporáneos y a la diversidad de sus capacidades en los formatos musicales: del dúo al octeto, de la acústica a la electrónica, de los recitales al teatro musical y a la danza, etc.

Con más de 350 obras dedicadas, el grupo continúa manteniendo y desarrollando su instrumentarium único en el mundo. Ha grabado en numerosas ocasiones y ha recibido alrededor de treinta premios internacionales, incluyendo la Victoria de la Música Clásica en 2017, que su propio sello obtuvo por su primer disco, Burning Bright de Hugues Dufourt.

El compromiso diario del conjunto con las actividades educativas se refleja en diversas acciones, en particular con el público de Hautepierre, donde el conjunto tiene su residencia. Todo comenzó en 1959, cuando Pierre Boulez fue invitado a dirigir su obra Le Visage Nuptial en Estrasburgo: Para formar el amplio grupo de percusiones que necesitaba, se reunieron músicos de la Orquesta de Estrasburgo y la Orquesta ORTF. Los seis jóvenes músicos —Bernard Balet, Jean Batigne, Lucien Droeller, Jean-Paul Finkbeiner, Claude Ricou y Georges Van Gucht—, impulsados por una voluntad innovadora común y una fuerte amistad, decidieron crear un conjunto de percusión: repertorio, selección de instrumentos, todo tenía que inventarse… así nació el «Groupe Instrumental à Percussion», que posteriormente se convertiría en «Les Percussions de Strasbourg».

En 1967, los seis percusionistas interpretaron Ionización de Varese, de acuerdo con el compositor, aunque la partitura requería la participación de trece percusionistas. Lograron interpretarlo con una gran maestría y brío dramático, abriendo las puertas del éxito a un género musical sin precedentes hasta ese momento.

A partir de entonces, Percussions de Strasbourg han creado e innovado sin descanso, viajando por todo el mundo y participando en los grandes festivales internacionales, de Berlín a Osaka, de Persépolis a Sydney, pasando por Royan, Donaueschingen, Edimburgo, Atenas, Israel, Sao Paulo, Nueva York o Montreal.

A través de sus numerosos viajes y una fuerte colaboración con los compositores, contribuyen activamente a la investigación sonora y a la invención de nuevos instrumentos, como el sixxen diseñado por Xena.

Sesenta años después, el grupo continúa revisando la herencia contemporánea e innovando con la evolución de las nuevas tecnologías y la expansión de las prácticas y expresiones escénicas: ese es el desafío de inventar y explorar el amplio campo de la percusión mundial en el siglo XXI.

Al Ayre Español

En 2025 se conmemora el tricentésimo aniversario del fallecimiento en Nápoles de Alessandro Scarlatti “… l’Orfeo della Musica, e l’uomo più inteso di contrapunto, che a’ dì nostri si sia veduto” («... el Orfeo de la Música, y el hombre más entendido en el contrapunto que se haya visto en nuestro tiempo»). Compositor más que prolífico, dotado de una técnica compositiva sin igual entre sus contemporáneos, se le ha conocido fundamentalmente a través de sus oratorios, serenatas y óperas. Sin embargo, dos grandes vertientes de su inmensa producción, quizá las más interesantes, permanecen aún en la sombra: las cantatas de cámara, sobre todo aquellas que escribió para voz sola acompañada de continuo; y la música sacra.

Scarlatti llegó a Roma en 1672 procedente de Palermo, donde había nacido en 1660. En 1679 conoció al embajador de España en Roma, el marqués del Carpio, con quien trabó una buena amistad. Cuando el embajador fue nombrado virrey de Nápoles llamó a su servicio al joven siciliano. Como maestro de la Capilla Real, al servicio de los virreyes españoles entre 1684 y 1702, Scarlatti tuvo que producir una enorme cantidad de música sacra de la que conocemos bastante poco. En 1697 publicó en Nápoles un selecto libro de motetes a varias voces con instrumentos, los Mottetti Sacri, que tuvo una enorme repercusión. Entre 1707 y 1708 se reeditó en la imprenta de Estienne Roger en Amsterdam, esta vez con el título de Concerti Sacri, opera seconda. Hemos seleccionado un par de estos motetes, verdaderas joyas del arte vocal scarlattiano, que serán interpretados por el joven contratenor gaditano Bruno Campelo, una figura emergente en el panorama vocal de nuestro país. Al Ayre Español acompañará estos dos motetes con sonatas “da chiesa”, que surgieron en el entorno romano inmediatamente anterior a la partida de Scarlatti para Nápoles. Es, sin duda, música que ejerció una importante influencia en su estilo y que, muy probablemente, compartió espacio y liturgia con los motetes en esos casi veinte años que Scarlatti ejerció como maestro en la Capilla Real partenopea.

Al Ayre Español fue fundado en el año 1988 por Eduardo López Banzo con el propósito de hacer frente a los tópicos que, en aquel entonces, rodeaban las interpretaciones de la música barroca española. El espíritu del grupo siempre ha sido combatir estos clichés con rigor, excelencia en la interpretación y el propósito de insuflar nueva vida a las músicas del pasado, para así ofrecerlas al público contemporáneo. Al Ayre Español se ha convertido no solo en una formación prestigiosa sino en una filosofía de interpretación que Eduardo López Banzo ha ido construyendo con sus músicos y que ahora es reconocible, solicitada y aclamada en todo el mundo, además de reconocida con el Premio Nacional de Música 2004 otorgado por el Gobierno de España. Treinta y siete años en los festivales y teatros más importantes de Europa, veintiún años como orquesta residente en el Auditorio de Zaragoza, veinte discos y una incesante agenda de compromisos y actividades para las próximas temporadas confirman que el grupo aragonés es una de las referencias más destacadas del ámbito nacional e internacional.

A lo largo de este tiempo, Al Ayre Español ha actuado en los festivales y escenarios más prestigiosos de todo el mundo y ha realizado grabaciones discográficas para los sellos Almaviva, Fidelio, Deutsche Harmonia Mundi, Harmonia Mundi France, Naïve-Ambroisie y Challenge Records. Al Ayre Español cuenta con el patrocinio de Industrias Químicas del Ebro y del Ministerio de Cultura de España, mantiene un acuerdo de residencia con el Auditorio de Zaragoza desde 2004 y es Embajador de Zaragoza desde el año 2011.

Nacido en Cádiz en 2001, Bruno Campelo Muñiz comienza sus estudios musicales en la especialidad de Piano con Muskilda Salar Ochoa en el Conservatorio Joaquín Villatoro de Jerez de la Frontera, donde empieza a cantar en la Escolanía Juvenalia, un proyecto de Ana Belén Ortega Vilches. Es gracias a uno de los talleres de técnica vocal organizados por este conjunto que conoce a Jorge Enrique García Ortega, del que es discípulo desde 2012. En 2016 se gradúa en Canto Clásico Grado 8 por el Trinity College of London, obteniendo el Exhibitional Awards, distinción otorgada a la nota más alta a nivel nacional. Además, fue galardonado este mismo año con el primer premio en su modalidad en el VII Concurso de Jóvenes Intérpretes Ciudad de Sanlúcar, organizado por el Conservatorio Joaquín Turina.

Ha estudiado con Romina Basso en el Conservatorio di Musica Luigi Cherubinide Florencia y ha recibido masterclass de Carlos Mena en los cursos de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamancay de Eduardo López Banzo en el Curso Internacional de Interpretación

Vocal Barroca organizado por el CNDM. Fue a raíz de este último que comenzó a trabajar asiduamente con Eduardo López Banzo formando parte de las Vozes del Ayre, subconjunto de su grupo Al Ayre Español.

En cuanto a su participación como solista, ha cantado en numerosos Festivales como el Festival de Música Española de Cádiz, el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza, el Ciclo Palencia Antigua del CNDM y el Ciclo Noches de Música de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander. Ha trabajado con La Real Capillaen un trabajo discográfico dedicado a Antonio Juanas, el último español maestro de capilla en la Catedral de México y con La Danserye – Capella Prolationumen una grabación en vídeo que reconstruye un Oficio de Completas en la Catedral de Baeza.

Marimar Fdez. Doval y Sara Castrillo, sopranos. Ana Gobantes y Marta Gutiérrez, piano. Cristina Lorenzo, actriz

Asistiremos a una velada en la que la música de Fauré será protagonista. Sobre el escenario se recreará el ambiente del salón parisino de la diva y compositora Pauline Viardot, donde se daban cita los grandes artistas e intelectuales de la época, entre ellos nuestro compositor. La actriz Cristina Lorenzo será nuestra anfitriona. Las sopranos Marimar Fernández Doval y Sara Castrillo, y las pianistas Marta Gutiérrez Osés y Ana Gobantes de Miguel nos harán llegar la voz mística y profunda de Fauré a través de una selección de varias de sus obras y de las de sus contemporáneos: melodías a solo, a dos voces, y piano a custro manos. Vestuario, luces, atrezo y música nos sumergirán en una época.

Marimar Fernández Doval estudia con Vicente Encabo en la Escuela Superior de Canto de Madrid, en el Lemmerns Institute de Lovaina (Bélgica) con Dina Grossberger y posteriormente con Elena Pérez-Herrero en Oviedo.Como intérprete solista especializada en música antigua ha colaborado con agrupaciones españolas y extranjeras (el grupo SEMA, Al Ayre Español, La Capilla Peñaflorida, Zarabanda, Parnaso Español, Ensemble Baroque de Limoges, Extempore String Ensemble, La Tirana Española y el Ensemble Durendal), con musicólogos como Alicia Lázaro, Luis Robledo, José Rada o Louise K. Stein y con directores como Christophe Coin, Eduardo López Banzo, Andrew Lawrence-King y Manuel Vilas. También en foros musicales de España y Europa, con giras por Italia, Brasil y México.

De sus intervenciones escénicas son reseñables su participación en las zarzuelas barrocas Acis y Galatea y Los Elementos de A. Literes y Viento es la dicha de Amor de J. de Nebra, así como en óperas de Pergolesi, Mozart, y Rossini. Su trabajo se ha plasmado igualmente en la grabación de discos, entre otros Spanish Music in the Golden Age con Hyperion, Viento es la dicha de Amor con Auvidis y La púrpura de la rosa con Deustche Harmonia Mundi. Fue componente, desde su formación, de la Capilla Jerónimo de Carrión bajo la dirección de la musicóloga Alicia Lázaro, con la que grabó tres discos con obra de maestros de capilla de la Catedral de Segovia.

Desde 2000 es Profesora Titular de Canto en el Conservatorio Jesús Monasterio de Santander y es fundadora junto a su marido de la Asociación Cultural La Nave de Euterpe.

Sara Castrillo Calderón estudió el grado profesional de Canto en el Conservatorio Jesús de Monasterio de Santander bajo la supervisión de María del Mar Fernández Doval, obteniendo el premio fin de enseñanzas del Conservatorio y de la Consejería de Educación del Gobierno de Cantabria. En la actualidad continúa formándose en la Escuela de Voz Haragei en Oviedo bajo la supervisión de Elena Pérez-Herrero.

Ha participado en numerosos conciertos por la geografía española bajo la dirección de maestros como Aarón Zapico, Diego Martin-Etxebarria, Óscar Gershensohn, Aapo Hakkinen, Antonio Noguera o Cesar Vinagrero, y como solista ha interpretado Gloria de Rutter con la Banda Municipal de Santander y la Camerata Coral de la Universidad de Cantabria bajo la dirección de Vicent Pelechano; el Réquiem de Fauré junto al Coro Lírico de Cantabria bajo la dirección de Elena Ramos, el estreno absoluto de la Cantata a San Beato de Liebana de Antonio Noguera, y el Gloria de Vivaldi junto al coro Adamar y la agrupación M.A.S bajo la dirección de Óscar Rodríguez Pastora. Ha participado en el Concierto Día de la Mujer con la Orquesta de la UIMP bajo la dirección de Borja Ordoñez, en la Gala lírica 40.º aniversario del Colegio de Economistas junto a la OSCAN y el coro del Colegio de Economistas bajo la dirección de Paula Sumillera, en el Concierto Imparadisum dedicado a G. Fauré junto al coro Adamar y la Orquesta UIMP Ataulfo Argenta bajo la dirección de Vicent Pelechano y en diversos Festivales Internacionales de órgano y voz.

En cuanto a música escénica, en calidad de solista ha encarnado los roles de Serpina en la La serva padrona de Pergolesi; Aire en la ópera barroca Los elementos de Líteres y el de Vagoas en el oratorio Juditha Triumphans de Vivaldi. Entre sus proyectos recientes destacan El secreto del otro y El vacío que llena, ambos en el Palacio de Festivales de Cantabria.

Desde 2015 hasta el 2020 forma parte y actúa como solista en diversas ocasiones junto a la Camerata Coral de la Universidad de Cantabria. Colabora desde 2016 con el cuarteto Scherzando, con quien ha realizado conciertos y numerosos eventos, entre los que cabe destacar diversos actos institucionales de la UIMP, como el nombramiento Honoris causa de la soprano Ainhoa Arteta. En la actualidad dirige a la agrupación Adamar Música Antigua, La Coral Valle de Piélagos-Salcedo y Gospel Experience Santander. Además, es profesora de canto en la Academia Coral Ciudad de Santander.

Ana Gobantes de Miguel. Titulada Superior por el Conservatorio Jesús Guridi de Vitoria en las especialidades de Piano (bajo la dirección de Albert Nieto), Música de Cámara, Pedagogía Musical y Solfeo, ha estudiado además Musicoterapia, Psicología Transpersonal y Psicoterapia GIM. Becada por el Gobierno de Cantabria, se formó en el Conservatorio Hanzehogeschool de Groningen (Países Bajos) con el profesor Henry Kelder.

Ha ofrecido conciertos en España, Francia, Holanda, Portugal y Bélgica, así como para RNE, y ha realizado estrenos absolutos en la UIMP, en el Festival Internacional de Santander y en la Fundación Marcelino Botín. Fue la solista invitada por Amproband para realizar el estreno absoluto del Concierto para piano y banda “Incendio de Santander, Memoria e In Memoriam”, op. 147, de Antonio Noguera. Promueve la música compuesta en Cantabria en el entorno de la Familia Güell-López con conciertos en el Palacio de Sobrellano de Comillas y en el Palau Güell de Barcelona. Es Profesora de Piano y Jefa de Estudios en el Conservatorio Jesús de Monasterio de Santander y también en el Seminario Diocesano de Monte Corbán de Santander, y socia de número en la Real Sociedad Menéndez Pelayo.

Nacida en Cantabria, Marta Gutiérrez Osés inicia sus estudios musicales en Santander con Carmen Gruber y los desarrolla con Ignacio García. Un mayor grado de dominio y profundidad de su expresión musical y pianística lo alcanza de la mano de Antonio Rubio Zamora y, posteriormente, bajo la tutela de Esteban Sánchez en el Conservatorio Superior de Música de Badajoz y junto a Ricardo Requejo en San Sebastián. Complementó su formación musical acudiendo a cursos que abarcan diferentes facetas musicales, tales como cursos de Especialización Pianística, Análisis, Historia y Ejecución impartidos en Granada (L. Morales), en la Universidad Alcalá de Henares (B. Berman, P. Roberts), en Santander (Alberdi, L. Chiantore), y cursos de Especialización Pedagógica en el Orff Institute de Salzburgo y en la Escuela Dalcroze de Barcelona entre otros.

Ha participado como solista en conciertos organizados por la Fundación Marcelino Botín, como pianista acompañante del Coro Infantil Encantábile, del que fue cofundadora y como regidora de ópera barroca española. Compatibilizó su labor pedagógica como profesora titular de Piano y Pianista acompañante de Canto en el Conservatorio Jesús de Monasterio de Santander con su labor artística como acompañante de la agrupación coral femenina Canticum, así como acompañante de cantantes y como pianista solista.

Licenciada en Interpretación por la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Asturias, Cristina Lorenzo ha realizado varios cursos de interpretación con maestros como Jorge Eines y de danza contemporánea con Fernando Hurtado y Joe Alegado.

Su experiencia profesional como actriz ha estado íntimamente ligada a la compañía Teatro del Norte. Dirigida por Etelvino Vázquez, protagoniza casi una veintena de montajes, entre los que destacan Tío Vania y La gaviota de Antón Chéjov, La zapatera prodigiosa, Mariana Pineda y Yerma de Federico García Lorca; Elektra (a partir de Eurípides, Sófocles, Jean Paul Sartre y Heiner Müller); Casa de muñecas de Henrik Ibsen, Martes de Carnaval y Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte de Valle Inclán; Medea (a partir de Eurípides, Séneca, Lorca y Müller); y Las criadas de Jean Genet.

Ha participado, además, en varias producciones del Teatro Campoamor, como las zarzuelas Agua, azucarillos y aguardiente y La Gran Vía, y en El rector, de Pedro de Silva, producida por la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Oviedo. Colabora con la Fundación Princesa de Asturias en el espectáculo homenaje a Nuria Espert Mujeres asesinas y en el montaje La radio del Prado, dedicado al 200.º aniversario del Museo del Prado.

Ha participado en numerosos festivales internacionales de teatro, como el Festival Internacional de Teatro de Portalegre (Portugal), el Festival Internacional Experimenta de Rosario (Argentina), o los Festivales de Teatro Clásico de Almagro y Olite. Recientemente ha estrenado en el Teatro Palacio Valdés de Avilés Porno, escrita y dirigida por Maxi Rodríguez para La Roca Producciones; Yo, nunca… de Pablo Escobedo, dirigida por Sandro Cordero, para Contigo3 Teatro; y Los invitados y Lo inevitable (Premio Lope de Vega 2018) de Jóse Busto, dirigidas por éste para Teatro A las Puertas. Es fundadora, junto con el actor, director y dramaturgo Sandro Cordero, de la compañía SótanoB, que se presentó en público en noviembre de 2020 con la producción Casandra, monólogo protagonizado por ella misma.

Su interpretación en Mariana Pineda y Martes de Carnaval le ha supuesto sendos Premios Oh! a la Mejor Intérprete Femenina.

Marimar Fdez. Doval y Sara Castrillo, sopranos. Ana Gobantes y Marta Gutiérrez, piano. Cristina Lorenzo, actriz

Desde 2000 es Profesora Titular de Canto en el Conservatorio Jesús Monasterio de Santander y es fundadora junto a su marido de la Asociación Cultural La Nave de Euterpe.

Su interpretación en Mariana Pineda y Martes de Carnaval le ha supuesto sendos Premios Oh! a la Mejor Intérprete Femenina.

Nevermind

El amor y la pasión por el repertorio antiguo y la música de todos los lugares llevan a Anna Besson, Louis Creac’h, Robin Pharo y Jean Rondeau a crear Nevermind en 2013. Su misión es, juntos, compartir las obras que aman con una larga y variada audiencia, que defienden y trascienden el repertorio del cuarteto de los siglos diecisiete y dieciocho. Los numerosos conciertos de Nevermind no han hecho más que reforzar su convicción y la amistad que comparten entre sí, que emana de su pasión y amor por tocar, como se evidencia en la sorprendente complicidad de sus colaboraciones.

En el centro de la presente temporada se encuentran las Variaciones Goldberg de Bach en la primera versión para cuarteto barroco, que se podrán escuchar en la Philharmonie de Paris, Amsterdam Concertgebouw, Wigmore Hall, Musikfest Bremen, Festival La Chaise Dieu, Opera de Rennes, Liszt Ferenc Academy of Music Budapest, Espacio Turina en Sevilla, Bergen International Festival, Bachfest Leipzig, Haapsalu Early Musik Festival y en el Festival Internacional de Santander. Realizarán una gira por Norteamérica en la que se incluyen conciertos en el Carnegie Hall, Philadelphia Chamber Music Society, San Diego Early Music Society, Boston’s Isabella Stewart Gardner Museum, y Vancouver Recital Society.

Nevermind continúa mostrando la obra de la compositora del siglo XVII Elizabeth Jacquet de la Guerre con conciertos en el Auditorio Principe Felipe en Oviedo y en el Auditorio Nacional de la Música de Madrid. En septiembre de 2021 se publicó su tercer album grabado para el sello Alpha / Outhere, que se adentra en los cuartetos de Carl Philipp Emanuel Bach. Quatuors Parisiens, su álbum anterior, estaba dedicado a la obra de Georg Philipp Telemann, lanzado en 2017 por el mismo sello (Alpha / Outhere) tras una residencia en la Abadía de Damas de Saintes. Su primer album salió al mercado en 2016 con el objetivo de dar una vision de los cuartetos franceses de la primera mitad del siglo XVIII, mostrando piezas casi desconocidas compuestas por dos virtuosos del violin: Jean-Baptiste Quentin y Louis-Gabriel Guillemain.

Nevermind ha realizado conciertos en el Auditorio del Louvre, Wiener Konzerthaus, Wigmore Hall y el Barbican en Londres, Concertgebouw y Muziekgebouw de Amsterdam, BOZAR Centre for Fine Arts in Brussels, Elbphilharmonie Hamburg, Konzerthaus Dortmund, Deutsche Staatsoper Berlin, Alte Oper Frankfurt, Centro Nacional de Difusión Musical en Madrid, Théâtre des Champs-Elysées en Paris, Muziekcentrum De Bijloke en Gent, Concertgebouw Brugge, y la sala de música en Chaux-de-Fonds. Sus giras internacionales les han llevado a los Estados Unidos, Canada, Rusia, Islandia, y el Lejano Oriente. Entre los eventos más destacados se encuentran el Boston Early Music Festival, Oberlin Conservatory en Ohio, Hong Kong City Hall, y la gira por Australia en 2019 por Melbourne, Sydney, Canberra, Adelaide, Newcastle y Brisbane.

Hélix Trío

Sello Emergentes FestClásica

Diálogo entre siglos explora la evolución de la música de cámara desde el siglo XIX hasta el XX, estableciendo un contraste entre el Modernismo y el romanticismo a través de tres obras clave del repertorio de trío con piano.

El Trío para piano n.º 2 de Joaquín Turina(1933) con clara influencia postromántica, destaca por la especial fusión entre el toque impresionista francés que marcó tanto al compositor (vivió durante muchos años en la capital parisina) y los elementos folclóricos españoles inherentes a su esencia compositiva. Estos elementos hacen de esta obra una increíble experiencia sonora para el oyente, donde se pueden apreciar las distintas capas que la caracterizan, y dependiendo de la escucha, puede adentrarse en cada una de ellas, o en todas a la vez.

El Trío para piano n.º 1 de Dmitri Shostakóvich(1923) es una obra que refleja su juventud creativa en medio de una época histórica oscura y tumultuosa. Se trata de una pieza emocionalmente explosiva en la que encontramos a un Shostakóvich en especial romántico, probablemente debido a su juventud, y donde se explora un lenguaje del que se alejó progresivamente a lo largo de su vida. Esta obra, de un solo movimiento, abarca en poco tiempo la conocida forma sonata de manera alterada, distorsionando por completo el orden tradicional por el que se construía esta forma musical, pero dibujando un camino retórico claro y conciso, dando la oportunidad al oyente de seguir perfectamente el discurso narrativo

Cierra el programael Trío n.º 2 de Franz Schubert(1827), conectando el siglo XIX con las obras posteriores. Este trío monumental representa el romanticismo en su máxima expresión, con una estructura lírica y una profundidad emocional que invitan al oyente a un viaje introspectivo..

En noviembre de 2024, el Helix Trío fue nombrado Ensemble Emergente 2025 por FestClásica, por lo que participarán en algunos de los festivales más importantes de España durante el 2025. Además, han recibido el segundo premio en el Premio BBVA de Música de Cámara Montserrat Alavedra 2024, celebrado en Cataluña. En septiembre, fue galardonado con el prestigioso Premio Filippo Nicosia 2024 en Italia, un reconocimiento que incluye la realización de varios conciertos en el país. Estos logros se suman a otros premios importantes como el ORPHEUS Swiss Chamber Music Competition 2022 en Suiza y el Concurso La Flama 2023 en Barcelona, consolidando al trío como una de las formaciones más prometedoras de su generación.

Formado en 2022 en la Hochschule für Musik FHNW Basel, el Helix Trío está compuesto por Jaume Angelès Fité (violín), Guillermo Ortega Santos (violoncello) y Paula Belzunegui Moreno (piano). Actualmente, reciben tutelaje de reconocidos profesores como Anton Kernjak, Claudio Martínez-Mehner, Zoltán Fejérvári, Silvia Simionescu y Anna Gebert dentro del programa de Ergänzungsstudium. Además, su desarrollo artístico continúa bajo la guía de Rafael Rosenfeld y Rainer Schmidt.

Desde julio de 2023, el Helix Trío es miembro de la ECMA (European Chamber Music Academy) y forma parte de la red Le Dimore del Quartetto, lo que les permite participar en un entorno internacional de alto nivel. En la temporada 2024-2025, el trío se presenta en el Auditori de Barcelona, entre otros auditorios europeos, consolidando su presencia en escenarios de primer nivel.

El trío ha sido invitado a importantes festivales como el Piano Trio Fest (Berna), el Swiss Chamber Music Festival (Adelboden), y el Festival Musikdorf Ernen, además de debutar en 2023 en el prestigioso Palau de la Música Catalana.

En su trayectoria, el Helix Trío ha participado en clases magistrales con músicos como Steven Isserlis, Heime Müller (Cuarteto Artemis), Anthony Marwood, Patricia Kopatchinskaja, Johannes Meissl, Patrick Jüdt, Vera Martínez Mehner, Robert Levin, Eckart Runge, Oliver Wille (Kuss Quartet), Antonio Valentino, Simone Gramaglia, Miriam Fried, y Heinz Holliger. Además, en 2023, asistieron a las IMS Prussia Cove Masterclasses con el pianista Dénes Várjon, y a la Academia Internacional de Música de Cámara de Vic con el violinista Abel Tomàs (Cuarteto Casals).

Sabrina Gárdez, soprano y Bernardo Rambeaud, guitarra romántica

Sabrina Gárdez (soprano) y Bernardo Rambeaud (guitarra romántica) presentan un programa que celebra el espíritu cosmopolita y universal de la música española, destacando cómo ha inspirado a compositores de todo el mundo y cómo sigue evolucionando con nuevas creaciones.

Dos grandes figuras, Vicente Martín y Soler y Fernando Sor, brillan en este programa como iconos de su tiempo, llevando la riqueza de la música española a los principales escenarios de Europa. Junto a ellos, encontramos otros nombres ilustres como Dionisio Aguado, además de Mauro Giuliani y Gioachino Rossini, quienes, fascinados por los sonidos de España, incorporaron su esencia en sus composiciones.

La dimensión vocal del programa cobra vida con María Malibran y Pauline Viardot, hijas del polifacético Manuel García, que marcaron un antes y un después en la interpretación y la composición. Viardot, además, nos regala su exquisita Havanaise, una obra que refleja su eclecticismo y gran creatividad.

El viaje se completa con una mirada al presente de la música catalana, con una obra escrita especialmente para Sabrina Gárdez, firmada por la compositora Helena Cánovas y con texto del filósofo y poeta Francesc Pujols. Esta pieza es un ejemplo del diálogo continuo entre tradición e innovación, mostrando cómo nuestras raíces culturales siguen siendo una fuente inagotable de inspiración.

Sabrina Gárdez es una soprano en constante evolución que ha demostrado su capacidad de cautivar a la audiencia con su arte excepcional. Nacida en La Habana, completó sus estudios superiores de canto en el Conservatorio del Liceu de Barcelona. Ha recibido lecciones de Erika Grimaldi, Nelly Miricioiu, Juan Diego Flórez, Sonia Ganassi, Luciana Serra, Ernesto Palacio, Giulio Zappa, Giulio Laguzzi, Stanislav Angelov y Hana Lee.

La temporada de Sabrina Gárdez está repleta de interesantes compromisos. Debutará en el Gran Teatre del Liceu interpretando el papel de Lisa en La sonnambula de Bellini. Del mismo modo, hará su debut en el Teatro de la Maestranza de Sevilla con la ópera Iphigénie en Tauride de Gluck. En diciembre de 2024 realiza una gira por España, que la llevará el Palau de la Música de Barcelona, la temporada Ibermúsica del Auditorio Nacional de Madrid, el Auditorio de Zaragoza y el Auditorio ADDA de Alicante, interpretando los Carmina Burana de Carl Orff con ADDA Simfònica y el Orfeón Donostiarra. También debutará el rol de Musetta de La Bohème de Puccini en la Fundació Òpera de Catalunya.

En 2022, fue galardonada con el Primer Premio y el Premio Amics de l’Òpera de Sabadell en el V Concurs de Cant Josep Palet de Martorell, así como premiada también en el V Concurso Internacional de Canto Martín y Soler.

En 2023 pasó por la Accademia Rossiniana de Pesaro, donde interpretó el papel de Madama Cortese en la ópera Il viaggio a Reims de Gioachino Rossini, con producción de Emilio Sagi. En otoño del mismo año, la soprano participó en la Bottega d’Opera del Festival Donizetti de Bergamo y cantó en la inauguración de la edición con la ópera Il diluvio universale de Donizetti, dirigida por el maestro Riccardo Frizza; y en la ópera Il piccolo compositore di musica de Giovanni Simone Mayr.

Como guitarrista clásico, Bernardo Rambeaud combina la actividad concertística solista con en el mundo del lied y la música de cámara. Se presenta en distintas salas de Argentina, España, Inglaterra, Portugal, Bélgica y Francia. Entre los festivales de lied que ha participado se destacan el Life Victoria, la Schubertíada de Vilabertran y el Oxford International Song Festival. Se presenta también en distintas ediciones del Obertura Barcelona Spring Festival. Por su parte, junto a la mezzosoprano Helena Ressurreição participa en la Gala Centenari de Victoria de los Ángeles en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona.

Realiza su formación académica en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP (Argentina) y en el Conservatorio Luis Gianneo de Mar del Plata junto al maestro Eduardo Isaac. En Barcelona hace el Máster en Estudios Avanzados de Interpretación Musical con el maestro Àlex Garrobé en la ESMUC (Escola Superior de Música de Catalunya). Participa en numerosos cursos con maestros como Pablo Márquez, Sergio Balderrabano y el director de orquesta Jordi Mora, como también en el Festival de Invierno de Campos do Jordao (Brasil) y Festival Internacional de Guitarra de Koblenz (Alemania). Por su parte, también ofrece conferencias y recitales en los Festivales Internacionales de Guitarra de Petrer y de L’Hospitalet d’Infant. Acompaña a la mezzosoprano estadounidense Joyce DiDonato en su proyecto Sing for Today. Junto al maestro Lorenzo Coppola estudia y realiza conciertos en torno a la música del siglo XIX con clarinete histórico y guitarra romántica.

Su continuo trabajo con cantantes lo ha llevado a realizar diversos arreglos y transcripciones de autores como Franz Schubert, Eduard Toldrá, Carlos Guastavino, Gabriel Fauré, Pauline Viardot, María Malibrán, entre muchos otros, con el fin de enriquecer los programas de concierto de lied.e inagotable de inspiración.

Benjamin Alard, clave

El Concierto italiano y la Obertura al estilo francés son las dos obras editadas por Johann Sebastian Bach en Leipzig en 1735. Tras su primer opus dedicado a las Seis Partitas para teclado (1731), Bach nos entrega aquí dos obras para clave, específicamente escritas para un instrumento de dos teclados que permiten resaltar una faceta del clave concertante, haciendo dialogar solistas y orquesta. La presencia de estos dos teclados sumerge al oyente en un mundo de transcripciones imaginarias.

El universo de Benjamin Alard es el de la música de Johann Sebastian Bach. Su complicidad musical es tal que en 2004 el jurado del Concurso Internacional de Clave de Brujas le concede su primer premio.

Benjamin Alard sintió desde muy joven una gran fascinación por los misterios del órgano. Sus primeros maestros fueron Louis Thiry y François Ménissier en los conservatorios de Dieppe y de Rouen. Gracias a Elisabeth Joyé, con quien estudiaba en París, Benjamin Alard descubrió el repertorio de clave. En 2003 ingresa en la Schola Cantorum de Basilea para trabajar con Jörg-Andreas Bötticher, Jean-Claude Zehnder y Andrea Marcon.

Desde 2005 es el titular del órgano Bernard Aubertin de la iglesia Saint-Louis-en l’Île de París, donde da recitales de forma recurrente consagrados a la música de Bach. Tanto en lo que respecta al órgano como al clave, Benjamin Alard divide su tiempo entre los recitales y la música de cámara (con dos claves con Élisabeth Joyé, en sonata con el violinista François Fernández o incluso con el flautista Emmanuel Pahud). Cada temporada musical es invitado a los principales centros de música antigua alrededor del mundo.

Benjamin Alard ha publicado con el sello Hortus Andreas Bach Buch, numerosas transcripciones, el Manuscrito Bauyn y un disco de música francesa de los siglos XVII y XVIII, así como sonatas en trío para órgano de Johan Sebastian Bach y el Clavier Übung I y II de la mano de Alpha. Estas grabaciones han sido fervientemente aclamadas por la prensa musical.

Benjamin Alard ha comenzado a grabar con Harmonia Mundi la obra integral para clave de Bach. Este impresionante trabajo se está desarrollando a lo largo de una década. Los cinco primeros volúmenes de una serie de 18 en total están ya disponibles. A la publicación del quinto volumen Weimar 1708-1713 - Toccatas et Fugues en otoño de 2021 le siguió la publicación del disco del Primer Libro del Clave bien temperado para el 300.º aniversario de su publicación en marzo de 2022. Este último CD ha sido premiado con el «Diapason d’or». En otoño de 2022, Harmonia Mundi publicó junto a Benjamin Alard una edición especial dedicada al Orgelbüchlein con la colaboración del Ensemble vocal Bergamasque así como del coro de la catedral de Notre-Dame de París.

Benjamin Alard es invitado regularmente a las principales salas musicales de Europa, Japón y Estados Unidos. En diciembre de 2022, tocó por primera vez en la Biblioteca del Congreso en Washington D.C.

Benjamin Alard, órgano

Ya sea en las transcripciones de obras de maestros antiguos que despertaron el interés del joven Johann Sebastian Bach (los conciertos de Antonio Vivaldi) o en las transcripciones imaginarias de sus propias obras para conjunto de cámara (Sonatas en trío BWV 528 y 530 o Toccata, Adagio y Fuga BWV 564), las piezas de este programa, de las cuales las más esenciales son las dos Sonatas en trío, revelan y descubren un carácter muy concertante de la obra para órgano de Johann Sebastian Bach.

Cum Altam

En colaboración con ACOCA (Asociación para la Conservación de Órganos de Cantabria)

Entrada libre hasta completar el aforo

Cum Altam es una compañía de ministriles. Así se llamaba en España desde finales de la Edad Media a las bandas de músicos que formaban parte de las capillas catedralicias y de las villas. Los ministriles tocaban en los oficios litúrgicos y las procesiones, en las fiestas populares y las bodas, regulaban las horas y formaban parte de la vida cortesana. Conocían la música culta más refinada y, a su vez, eran músicos de hondas raíces tradicionales. Este contraste entre lo sacro y lo profano, lo culto y lo popular, es lo que Cum Altam quiere mostrar al público.

El conjunto está especializado en la interpretación de instrumentos de viento originales (cum altam vocem sonat tuba) usados desde la Edad Media al Barroco. Combina la polifonía y el contrapunto propios de la música culta con la energía de la música popular, dando especial importancia a la improvisación según modelos históricos.

Lawrence Zazzo, contratenor. Tercia Realidad

Weeping Philosophers es un viaje musical inspirado en la legendaria cantata del siglo XVII L’Eraclito amoroso de Barbara Strozzi. La figura de Heráclito, el “filósofo llorón”, sirve como punto de partida para explorar el universo emocional del Barroco, donde el lamento, la risa y el hedonismo se entrelazan. El contratenor norteamericano Lawrence Zazzo se une al ensemble Tercia Realidad en un recorrido por las pasiones humanas a través de la música de Strozzi, Purcell, Frescobaldi, Durante y Dowland. Un programa que invita a llorar, reír y, por qué no, a beber y a disfrutar en compañía de los grandes filósofos.

Nacido en Filadelfia, el contratenor estadounidense Lawrence Zazzo estudió inglés y música en la Universidad de Yale, el King’s College, Cambridge y el Royal College of Music. Ha actuado en los más importantes teatros de ópera de todo el mundo, entre ellos la Ópera Estatal de Viena, la Opernhaus de Zúrich, la Ópera de Frankfurt, la Staatsoper de Berlín, la Royal Opera House Covent Garden, la Ópera Metropolitana, la Ópera de París, el Festival de Salzburgo, la Ópera Estatal de Baviera de Múnich, el Teatro Real de Madrid, La Monnaie de Bruselas, Lyon, Aix-en-Provence, el Nuevo Teatro Nacional de Tokio, la Ópera Nacional Holandesa de Hamburgo, la Compañía de Ópera Canadiense y Glyndebourne.

Entre los estrenos de nuevas obras se incluyen Hojoki (Jonathan Dove), La tempestad (Thomas Adès), Sirenen y Die Tode des Orpheus (Rolf Riehm) y These motley fools (Iain Bell).

Händeliano entusiasta, su extensa discografía incluye las óperas y oratorios de Händel Giulio Cesare, Rinaldo, Serse, Partenope, Riccardo Primo, Lotario, Alessandro y Fernando Ré di Castiglia, así como los oratorios Saul, Samson, Semele, Deborah, Athalia y Messiah, además de Griselda de Scarlatti, Stabat Mater de Pergolesi y Apollo et Hyacinthus y Mitridate de Mozart. Entre sus grabaciones en solitario se incluyen Händel Uncaged: Cantatas for Alto, Byrdland (con el Paragon Saxophone Quartet), Lunarcy (con Shizuko Noiri), A Royal Trio (con La Nuova Musica) y, más recientemente, Weeping Philosophers con Tercia Realidad.

Zazzo, doctor en Musicología, imparte regularmente clases magistrales, conferencias y talleres vocales en todo el mundo y actualmente es director de Interpretación en la Universidad de Newcastle. Entre sus planes futuros se encuentran Rodelinda (Bertarido) para la Ópera de Frankfurt, Rinaldo y Tamerlano (papeles principales) en Karlsruhe y Göttingen; y Opera Seria en La Scala de Milán.

Inspirado en el término cervantino del siglo XVI, “Tercia Naturaleza”, que revela una tercera realidad en la que la fantasía y el mundo real se encuentran y se fusionan, Tercia Realidad es una utopía dirigida por Jorge Jiménez en la que la música vuelve a sus orígenes como lenguaje para expresar emociones y sentimientos, así como fusión de personalidades, ideas y sonidos. Tercia Realidad no solo interpreta, sino que crea sobre la marcha, lo que convierte sus actuaciones en experiencias únicas para el público y los músicos.

Abarcando un repertorio que abarca desde el siglo XIII hasta la música contemporánea, Tercia Realidad ha actuado en festivales como el Festival Internacional de Santander, Misteria Paschalia (Polonia), Utrecht Early Music Festival, Baroque Days Akbank Sanat en Estambul (Turquía), Noches en los Jardines del Alcázar de Sevilla (España), Colegio de los Ingleses de Valladolid (España), Festival de Música Antigua de Stary Sacz (Polonia), Bachfest Cochabamba (Bolivia), ciclo de música de la Universidad Bogazici de Estambul (Turquía), Festival de Música Sacra de Sagunt (España), ciclo de música de cámara del Convento de Santa Clara de Sevilla (España) y Veladas Barrocas de Varazdin (Croacia) entre otros.

Jorge Jiménez y Tercia Realidad han sido galardonados con el prestigioso Premio Sello Festclásica 2023 por su innovador programa “El violín de Farinelli”, que les ha llevado de gira por los festivales más prestigiosos de España, como el Festival Internacional de Santander, Festival Castell de Peralada, o Quincena Musical de Donosti, entre otros.

El debut discográfico de Tercia Realidad fue para el legendario sello Atlantic Records, junto a The Joy Formidable. Jorge Jiménez y Tercia Realidad son artistas discográficos del sello alemán Pan Classics.

Lawrence Zazzo, contratenor. Tercia Realidad

Entre los estrenos de nuevas obras se incluyen Hojoki (Jonathan Dove), La tempestad (Thomas Adès), Sirenen y Die Tode des Orpheus (Rolf Riehm) y These motley fools (Iain Bell).